Com sede em Tucson, Arizona, a boutique Desert Vintage se especializou em roupas de grife raras desde que Salima Boufelfel e Roberto Cowan a assumiram em 2012. Muitas de suas ofertas – um roupão de noite Fortuny centenário ou um top envolvente de camurça Azzedine Alaïa, para por exemplo – “pode ser um pouco exigente de usar”, diz Boufelfel. Então, quando ela desembarcou em Nova York para abrir seu posto avançado na Orchard Street em 2022, ela decidiu complementar suas peças de época com seus próprios designs. A coleção, chamada Ténéré (“deserto” em tuaregue) em uma homenagem às origens de Boufelfel no Arizona e à herança berbere, foi criada para ser usada em todas as estações e ambientes: há vestidos arejados de chiffon enrugados, caftans sem mangas costurados com peças antigas do comércio africano miçangas e calças de linho italiano com pregas duplas. Os conjuntos de seda – disponíveis em uma variedade de tons de areia, bem como em vermelho papoula – são modelados a partir dos conjuntos de loungewear mais vendidos da Desert Vintage da década de 1920, que, observa Boufelfel, “sempre voam pela porta e ficam incríveis em todos”. A partir de $ 598, ténéré. com.
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A exploração da perda por um pintor
Para a pintora britânica Chantal Joffe, “a arte é uma forma de compreender a vida”. Então, quando ela passou pela perda dos pais e do cunhado, na mesma época em que a filha foi para a faculdade, isso se tornou uma forma de processar a ausência deles. Em sua nova exposição, “My Dearest Dust”, atualmente em exibição na Galeria Skarstedt no Upper East Side de Nova York, Joffe explora temas de maternidade e luto, capturando as intimidades agridoces da vida cotidiana com tons vívidos de amarelo e verde. Seus autorretratos retratam momentos de tristeza particular – a artista tomando banho, deitada na cama ou passeando com o cachorro – intercalados com cenas domésticas e pinturas de sua filha, Esme, cuja infância Joffe documentou anteriormente em seu trabalho. “A pintura é uma coisa muito visceral”, diz Joffe. “E no final das contas, não é uma imagem. É uma experiência.” “My Dearest Dust” estará em exibição na Galeria Skarstedt de Nova York até 15 de junho. skarstedt.com.
Quando Casey Axelrod-Welk se mudou de Nova York, onde ocupou cargos clínicos no Weill Cornell Medical Center e no Mount Sinai Hospital, para Los Angeles em 2018, a enfermeira trocou a medicina interna por preenchimentos dérmicos e lasers de correção da pele. “Acho que você poderia dizer que LA me mudou”, ele brinca. Em dezembro, Casey e seu marido e sócio, Nick Axelrod-Welk, cofundador do site Into the Gloss e da marca Nécessaire, abriram a Contrapposto, uma clínica de dermatologia cosmética em West Hollywood. Dentro de um edifício projetado por John Elgin Woolf em 1937, as molduras originais e os tetos de 14 pés são compensados por armários personalizados de aço inoxidável. Uma série de detalhes antigos – incluindo espelhos de mão Art Déco suecos da década de 1930, tigelas Nautilus de prata esterlina William Spratling e uma cadeira Pierre Jeanneret na sala de tratamento principal – foram selecionados pela decoradora de interiores Courtney Applebaum, que já ajudou Mary-Kate e Ashley Olsen projetar a boutique Melrose Place do Row. O cenário cuidadosamente elaborado reflete a abordagem sutil de Casey aos procedimentos cosméticos, que enfatiza o movimento natural. “Acredito que é possível obter o melhor resultado”, diz ele, “sendo criterioso e indo devagar”. contrapposto.com.
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O primeiro projeto solo de um chef francês, influenciado por suas viagens ao Japão
Na Rue Saint-Roch, no coração do Primeiro Arrondissement de Paris, não muito longe do Palais Royal, está o mais recente restaurante do chef Pierre Touitou. Em 2016, Touitou tornou-se chef do Vivant, onde fundiu sua formação em alta gastronomia (com Alain Ducasse no Hôtel Plaza Athénée) e experiência em wine bar (no Aux Deux Amis) para criar refeições que rapidamente ganharam seguidores entre o público da semana de moda e locais elegantes. Ele se tornou coproprietário em 2018, quando reabriu como Vivant 2, no mesmo ano em que cofundou o wine bar Déviant, algumas portas abaixo. Desde então, ele passou um tempo no Drum Café em Arles, um restaurante no Fundação LUMA que recebe chefs visitantes de todo o mundo e viajou pelo Japão. Essas experiências se refletem 19 São Roque, seu primeiro projeto solo, inaugurado no final de março. Touitou projetou ele mesmo o espaço de 40 lugares, dando-lhe a sensação de um restaurante americano encontrando um balcão de sushi com piso de cerâmica, assentos de bar retrô em cromo e couro e uma janela de peixe fresco. O cardápio combina influências francesas e mediterrâneas com notas da culinária japonesa em pratos como ostras cobertas com ovas de salmão e yuzu kosho; espargos brancos com nori, alcaparras e crème fraîche; e pregado grelhado com nabos temperados com açafrão. A carta de vinhos predominantemente natural inclina-se para o francês, com brancos do Jura e pet-nats do Vale do Loire. 19saint-roch.com.
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Paisagens reunidas de um artista palestino-americano, em exibição em Los Angeles
“Oh, meu coração, não pergunte onde está o amor; era um monumento de ilusões, por isso ruiu”, canta a musicista egípcia Umm Kulthum em seu hino apaixonado de 1966, “Al-Atlal (The Ruins)”. A letra, que foi baseada em um poema de Ibrahim Nagi, agora enquadra um trabalho em mosaico na exposição “Surge”, de Jordan Nassar, que será inaugurada em 18 de maio na galeria Anat Ebgi, em Los Angeles. A peça de 60 por 96 polegadas, intitulada após a música, é feita de placas de vidro sobre uma placa de espuma. No meio, uma grade de seis imagens quadradas mostra animais, incluindo um cisne e um cachorro, pairando sobre uma paisagem montanhosa noturna ou uma mesquita. A composição foi inspirada em um Mosaico de piso bizantino descoberto por um agricultor em 2022 na Faixa de Gaza. “Há uma grande probabilidade de o mosaico estar agora completamente destruído – seria um milagre se ainda lá estivesse”, diz Nassar.
Nascido em Nova York, filho de pai palestino e mãe polonesa, a arte de Nassar sempre esteve centrada em sua herança do Oriente Médio. Ele normalmente cria trabalhos de parede com algodão bordado – tradicionalmente chamado tatreez — através de colaborações com artesãs na Palestina. A confecção de mosaicos é um novo meio para Nassar: “Os azulejos gritaram comigo porque os padrões são construídos exatamente como cada ponto funciona em um bordado”, diz ele. O artista fez experiências com lascas de vidro pela primeira vez durante uma residência de quatro meses no Museu Shangri La de Arte, Cultura e Design Islâmico do Havaí em 2022. O trabalho paisagístico resultante, intitulado “Lē’ahi” (2022), agora está na exposição permanente do museu de Honolulu. coleção. Em exibição em Los Angeles está outra paisagem, “Mudun Falastin (Cidades Palestinas)” (2024): uma vista pacífica da montanha de um lugar não especificado é delineada por padrões florais e nomes árabes de 22 cidades palestinas atuais ou históricas, como Jaffa, Jerusalém, Gaza e Nablus. Nassar encontrou o motivo em uma sacola bordada que comprou em um centro de treinamento feminino operado pela ONU, dentro de um campo de refugiados em Ramallah, em 2017. “Estou imbuindo [these pieces] com emoções que, esperançosamente, encontrarão o espectador, mesmo que ele não entenda o que as palavras dizem”, diz Nassar. “Jordan Nassar: Surge” estará em exibição de 18 de maio a 20 de julho, anatebgi. com.
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Um festival de cinema com curadoria de artistas em São Francisco
Durante 11 dias em julho, São Francisco Galeria Fraenkel sediará seu primeiro festival de cinema. Está programado para acontecer no Roxie Cinema da Missão, que exibe filmes há mais de 100 anos sem interrupção. O programa inclui 10 filmes duplos a cada noite, selecionados por artistas que a galeria representa, incluindo Lee Friedlander, Sophie Calle, Carrie Mae Weems e Nan Goldin. “Os artistas fluem entre as mídias de maneiras muito diferentes de quando a galeria foi inaugurada, há 45 anos”, diz seu fundador, Jeffrey Fraenkel. “Todos esses artistas aprenderam muito com o cinema.” As escolhas de cada colaborador sugerem critérios estéticos em seu trabalho. O videoartista e compositor suíço Christian Marclay selecionou “Desprezo” de Jean-Luc Godard e “Blow-Up” de Michaelangelo Antonioni que Marclay descreve como “um filme sobre olhar… um filme sobre filmes.” Marclay tem um fascínio de longa data por “Blow-Up”, tendo exibido o filme com a trilha sonora de “Blow Out” de Brian De Palma para sua peça conceitual de 1998 “Up and Out”. Hiroshi Sugimoto, o fotógrafo japonês e fundador do escritório de arquitetura New Material Research Laboratory em Tóquio, cujos trabalhos exploram a passagem do tempo em uma variedade de mídias, selecionou “Kwaidan” (1964) de Masaki Kobayashi e Akio Jissoji. “Esta vida transitória” (1970). “Ambos os filmes são sobre um Japão moderno dos anos 1960 que destruiu rapidamente a tradição”, diz Sugimoto. “E foi lá que eu cresci. Isso tornou meu espírito artístico complexo.”
Acompanhando o festival está uma nova exposição, Fraenkenstein, com obras de mais de 20 artistas investigando o legado e o eterno retorno do romance gótico de 1818 de Mary Shelley. Fotografias de Diane Arbus, John Waters e Kota Ezawa, entre outros, assombrarão as paredes da galeria de 30 de maio a 10 de agosto. O Fraenkel Film Festival acontecerá de 9 a 20 de julho; todos os rendimentos vão para o Roxie Cinema, roxie. com.