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Em Paris, um hotel que mistura o passado e o presente
O 17º arrondissement de Paris, perto dos limites do noroeste da cidade, é principalmente residencial, por isso não é normalmente a frente dos visitantes da capital francesa. Mas a abertura da La Fondation, um hotel de 58 quartos com interiores da empresa de design Roman e Williams, com sede em Nova York, pode mudar essa mentalidade. Faz parte de um novo complexo de 10 andares que também inclui um espaço de escritório com jardins na cobertura, uma academia-que apresenta uma parede de escalada, piscina de 80 pés de comprimento e várias salas de fitness-e um spa com saunas, um hammam e salas de tratamento. Os hóspedes do hotel têm acesso a tudo isso, juntamente com dois restaurantes franceses-um bistrô clássico e uma opção de renome, ambos dirigidos pelo chef local Thomas Rossi-e um bar na cobertura que oferece vistas deslumbrantes que se abrem do Sacre Coeur à Torre Eiffel. Para a decoração do hotel, Roman e Williams referenciaram o período modernista tardio da cidade: os quartos apresentam paredes bloqueadas por cores, cercadas por quadros de carvalho-um aceno para o vestido Mondrian de 1965 de Yves Saint Laurent. Nas áreas comuns, comissões em larga escala, como uma escultura de parede de madeira pelo artesão croata Vedran Jakšić ou os ladrilhos de cerâmica pintados do artista francês Pierre Yves Caard, fundem-se com a arquitetura. “Há uma interação constante entre refinamento e crueza, moda e função, Paris então e agora”, diz Robin Standefer, co-fundador de Roman e Williams. La Fondation abre 28 de abril; de US $ 440 por noite, en.lafondationhotel.com.
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Um guia de tamanho de bolso para edifícios modernistas em todo o mundo
O historiador e fotógrafo de design de Praga, Adam Štěch, teve um fascínio precoce pela biologia marinha. “Meu modelo foi [the French oceanographer] Jacques Cousteau “, diz ele.” Eu queria ser um explorador. ” Štěch, que mais tarde desenvolveu um grande interesse em arquitetura, visitou quase 50 países, documentando edifícios notáveis do século XX e também esquecidos. vai o refrão familiar. Agora-graças à revista on-line e pela editora de livros pela primeira vez, com o suporte da empresa suíça USM Modular Móveis-essas respostas chegam ao formulário de livro de bolso. Outros, como o exemplo de Berlim dos edifícios coloridos da unidade d’Abitation de Le Corbusier, só podem ser admirados pela rua. O “Guia de Viagem Modernista” estará disponível em 8 de maio; $ 38, shop.sightunseen.com.
A artista suíça japonesa Teruko Yokoi viveu e trabalhou no Hotel Chelsea, em Nova York, por três anos produtivos até se mudar em 1961. Ela nunca voltou, diz sua filha, Kayo, que administra sua propriedade desde a morte de 2020. O restaurante, na adega do hotel, servirá pratos japoneses simples (com a cerâmica do chef Tadashi Ono) em um bar de sushi e sala de jantar de 12 lugares, com uma área de coquetéis especializada em uísques japoneses. Os hóspedes podem acessá -lo de dentro do saguão ou, através de uma escada externa escondida entre a entrada principal do hotel e uma loja de guitarra de longa data que leva a uma pequena passagem de jardim subterrânea. Nove das pinturas de Yokoi de toda a sua carreira estarão em exibição e, a poucos quarteirões, 25 outros incluirão uma pesquisa de galeria co-curada por seu neto, Tai, que também supervisiona sua propriedade. Intitulado “Noh Theatre”, traz paralelos entre a forma tradicional de performance japonesa e o trabalho do artista. Ambos geralmente empregam papel de chá (o primeiro para seus programas) e são caracterizados por “movimentos lentos, deliberados e simbólicos”, como Tai escreve em um ensaio que o acompanha. Kayo diz que sua mãe tinha um histórico de mostrar seu trabalho além das galerias: depois de realocar sua família para a Suíça após a dissolução de seu casamento com o pintor Sam Francis, Yokoi exibiu seu trabalho em espaços públicos, como restaurantes e hospitais. “Ela queria trazer beleza e criar um refúgio a partir deste mundo tumultuado”, diz Kayo. “Eu acho que ela ficaria muito feliz com isso.” O restaurante teruko abrirá em meados de maio; ““Noh Theatre ”está em exibição de 1 de maio a 14 de junho, hollistaggart.com.
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Um mosteiro restaurado do século X na Espanha, agora aberto como uma vila de férias
Em 2006, o industrial da comida espanhola Juan Manuel González Serna ocorreu em um mosteiro em ruínas do século X, perto da vila castiliana de Baltanás. Ele parou para se maravilhar com as ruínas de pedra e as colinas densamente arborizadas. No caminho para casa, González Serna chamou sua esposa, Lucia. “Ele disse que se apaixonou pelo lugar”, lembra ela. O casal comprou a terra e iniciou uma restauração de 13 anos do Monasterio de San Pelayo. Desde 2019, a casa de 15 quartos tem sido a residência particular do casal, mas, a partir deste ano, está aberto ao público como uma vila de uso exclusivo. O arquiteto espanhol Rafael Manzano, especializado na reforma de lugares históricos como o Royal Alcázar de Sevilha, trabalhou com arqueólogos para retirar os 1.200 anos de história do local, descobrindo paredes românicas, os remanescentes de um claister medieval, um hammam e centenas de cortesia cora. Essa história em camadas inspirou o design de 60.277 pés quadrados de espaço de vida e restaurantes adicionados, onde tapeçarias holandesas do século XVII, tapetes antigos de Cuenca e tetos com painéis de madeira adicionam calor ao cenário monástico. Colaborando com o Museu do Prado de Madri, os proprietários restauraram várias obras de arte de sua coleção particular, incluindo uma escultura de Jesus do século XIII e uma pintura da oficina de Peter Paul Rubens. Andar a cavalo, caça, oficinas de flores e Asados podem ser organizados na propriedade de quase 5.000 acres, que é alimentada por uma rede de fontes e coberta com florestas de carvalho, campos de trufa e rosa selvagem, tomilho e lavanda. Enquanto as vinhas de Ribera del Duero estão a menos de 16 quilômetros de distância, a propriedade pode organizar degustações privadas no local. De US $ 6.370 por noite, MonasterIodesanpelayo.es.
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Um livro de fotos que captura a vida vegetal e a presença militar em Okinawa, Japão
O primeiro livro de fotos do artista francês Victoire Thierrée começa com uma exclamação estranha: o título – “Okinawa !!” – grita pela cobertura verde ácida brilhante da publicação. Em nome e no assunto, é um eco contemporâneo do renomado trabalho de fotógrafo japonês Shomei Tomatsu “Okinawa Okinawa Okinawa” (1969), o primeiro registro da cultura da base militar americana na ilha. Thierrée, que também é escultora e cineasta, apresenta seu próprio estudo fotográfico da paisagem exuberante, ainda marcada por sinais das 32 instalações militares dos EUA que operam hoje em Okinawa. Cercas de arame farpado e torres de comunicação distantes emergem da vegetação, enquanto os helicópteros entram em pares no céu. “A ilha está no meio do paraíso, mas pode se transformar no inferno muito rapidamente”, diz Thierrée, que usou composições verticais em preto e branco e luz solar do meio-dia para subverter a beleza técnica natural do cenário. Juntamente com esses panoramas não convencionais, há estudos minimalistas e close-up de plantas pressionadas: ninhos emaranhados de videiras, samambaias sobrepostas e outros espécimes coletados nas Ilhas Ryukyu em 1951, seis anos após a devastadora batalha de Okinawa. Dos milhares de entradas botânicas que compõem o herbário completo (abrigada nos arquivos da Smithsonian Institution), Thierrée diz que foi atraída por certas amostras porque originalmente se enraizou nas proximidades da violência. “Essas plantas viram a guerra ou cresceram diretamente nos campos de batalha”, explica o artista. Reproduzido em escala de tamanho grande em seu livro de fotos – e em um show solo simultâneo no Museu da Coleção Lambert em Avignon, França – o mundo natural se torna desorientantemente enredado com a tecnologia militar. De uma página para a outra, uma folha achatada pode ser tão preso quanto a silhueta borrada de um jato de caça. Cerca de US $ 50, RVB-Books.com. A exposição “Okinawa !!” está em exibição na coleção Lambert em Avignon de 19 de abril a 15 de junho.
Quando Alex Matisse fundou a Pottery Company East Fork em Asheville, Carolina do Norte, em 2009, ele não queria que seu famoso sobrenome ofusque sua paixão por argila. “Meu foco tem sido escapar principalmente do nome da família e construir algo que se destaca por conta própria”, diz ele. Desde então, o East Fork tornou -se conhecido por seus pratos de cerâmica em cores terrosas. Agora, o Potter de 40 anos decidiu que é o momento em prestar homenagem ao seu bisavô Henri Matisse com uma coleção de pratos, pratos e canecas adornados com alguns dos motivos mais reconhecíveis do artista. Um quarteto de retratos femininos da década de 1940 decoram placas de sobremesa; Um desenho de 1951 de uma árvore se espalha por uma bandeja maior. Uma suíte de nus azuis de 1952 é distribuída em pratos no icônico tono azul denso de Matisse. O principal desafio, diz Matisse, estava aperfeiçoando o processo de decalque para capturar o tom do Azure e os golpes sutis do artista. A East Fork finalmente fez uma parceria com um fornecedor francês responsável por imprimir a Tableware de Hermès, e a equipe de Asheville misturou um novo tom de azul chamado La Sirène, que Matisse considera um aceno ao tom reconhecível de seu ancestral. A coleção Matisse estará disponível para pré -encomenda em 25 de abril; de US $ 68 por uma caneca, Eastfork.com.
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